风之引音乐天空

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成立于1976 年的美国 Reference Recordings（简称RR，意为“参考级录音”）－监听录音公司是游离于五大唱片集团之外的独立唱片品牌，他以旧金山为基地始终致力于开发及运用当今最高水准的录音技术。他既继承了一百年来录音工业取得的成果，又充满了自己的天才创意。他们的唱片在音乐艺术上的成就虽见仁见智，但在录音技术上的登峰造极却是举世公认，甚至被认为是凌驾于Telarc、“喇叭花”、Chesky 等众多美国发烧唱片品牌之上最发烧的唱片公司。

公司的名字R.R这个词本身就意味着出类拔萃，不同凡响。R.R制作的爵士乐和古典乐唱片在世界许多著名的杂志媒体广受好评，无论是演奏技术还是唱片音质，都被评论家誉为极品。R.R公司的唱片不时出现在电台广播中，一些爵士乐唱片还登上了排行榜。在美国最著名的《公告牌》杂志的“跨越音乐排行榜”上，R.R的唱片“法拉尔演唱哈梦德·阿伦歌曲”稳居前列达一个月以上。

R.R公司旗下的艺术家们无一不是古典音乐或爵士乐领域内最亮的明星。爵士音乐家有小号手泰利·克拉克，裘·维尔德，电子颤音琴演奏家诺弗，巴西传奇性音乐家莫莱拉·布林，爵士乐钢琴家迪克·海曼，麦克·加森，美国歌手艾琳·法拉尔。

古典音乐方面，有伦敦爱乐乐团、皇家爱乐乐团、犹他州交响乐团，以及作曲家及指挥家马克姆·阿诺德和罗伯特·法能，克拉诺斯四重奏、龟溪合唱团、著名钢琴家伊斯托明，小提琴大师里奇·达拉斯管乐团及指挥弗里德利克·芬尼尔。在过去的两年中，R.R又把指挥家何赛·赛勒布里埃率领的捷克国立爱乐乐团，杰拉德·施瓦茨领导的西雅图交响乐团，由大植英次任音乐总监的明尼苏达交响乐团，皇家苏格兰国家交响乐团及其合唱团，以及美国第一个使用古乐器的乐团－－巴洛克爱乐乐团等招至旗下，实力更增。

1986年，R.R的唱片首次荣获葛莱美大奖。1993年和1997年，他的录音两次获“最佳录音工程”奖的提名，他还曾赢得NAIRO（国家独立唱片品牌分销商协会）和AAHEA（极品音响促进学会）大奖，以及其他一些业界和消费者评出的奖项。

在R.R成功的背后，有一个非常显赫的名字－－凯斯·约翰逊（Keitho·Johnson），R.R的技术指导、首席录音师、合作者，除非R.R授权允许，否则约翰逊只为R.R录音。30多年的努力，使凯斯·约翰逊博士成为当今录音技术领域内的极少数大师之一。在西方发烧音响界，他甚至被公认为“教父”。“教父”的录音、技术论文、专利以及产品设计促进了多项技术进步，对今天的娱乐业有著重大的影响。其中包括：现已成为激光唱机和影碟机标准技术的光学轨迹伺服系统；已成为磁带生产标准技术的射频偏流录音磁头；读取电影胶片中声轨信号的光学扫描器,不受灰尘、划痕的影响,保真度大大提高；第一台多音轨声音拾取样合成器；以及表明低数码颤动重要性的世界第一张直录式CD等等。尽管这位“教父”把探索革命性的麦克风摆放技术和录音技术当成一种爱好，但在过去15年中，在他为RR制作的70多款唱片中，两张荣获葛莱美大奖，这些唱片均已成为高保真录音的典范。他获得的荣誉还有两次葛莱美“最佳古典音乐唱片录音”的提名，“极品音响促进学会”(AAHEA)颁发的“最佳原声录音大奖”，以及许多大众传媒和同行业授予的奖项。“教父”录音时全部采用他自己亲手制作的或改良的设备（连麦克风的震膜也经过特别的调节和改造，面目全非的程度连器材的出产厂商都难以辨认），同时用模拟和数码两种方式直接录在两条音轨上。

和其他的独立唱片品牌相比，R.R有两点很大的优势：1、公司负责人有权选择录制的音乐曲目和演奏者；2、独具创意的顶级录音技术。1992年，约翰逊教授和数码工程师麦克尔·弗劳莫历时十年终于开发成功革命性的HDCD 技术，即“高清晰度兼容数码”科技。这一技术的开发，旨在消除录音技术中存在的许多缺陷，从而获得更活生而逼真的音乐重播，使得唱片得以前所未有的保真度将现场的音乐演奏记录下来。R.R唱片公司是世界上第一家生产发行HDCD编码唱片的公司。这是CD诞生以来录音技术最重大的进步，它运用了心理声学原理，取得了突破性进展，使更多音乐信号能被编码保存在CD中。

HDCD技术很自然地使R.R在同行业中稳居领先地位。R.R总裁谭勃林·亨德森和约翰逊博士的共同努力使R.R成为录音工业中名符其实的“参考级”标准，从录音、制模到压片技术都代表着当今的最高水准。R.R的半速慢转唱片刻模技术（采用自制的车床），UHQR胶木唱片压片技术，直接金属制模技术，数码箱式母带（DAAD），举世无双的直录式CD技术等等都唯其独专，无人能比。

这张(指《舞迷心窍》)就是R.R公司1996年出版的全球首张使用24Bit／88.2KHz数码采样的HDCD！确实，24 Bit 版的录音岂可用“极度发烧”来形容，简直是“烧焦”了！

13年前，当激光唱片出现在大众消费市场上，它采用的16 Bit／44.1KHz 的PCM格式是受当时硬件水平的限制和成本的控制，不得已而为之的。从那以后，数码录音技术有了翻天覆地的变化，然而，由于所有激

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亚莎·海菲兹 Jascha Heifetz (1901-1987)

当代杰出的美籍立陶宛小提琴家。三岁跟父亲学小提琴，四岁进维也纳音乐学校，五岁即公开演奏，八岁在音乐学校毕业后进圣彼得堡音乐学校深造。

1911年在圣彼得堡作第一次演出，后在敖德萨和基辅演出。次年又在柏林、莱比锡、维也纳与驰名的交响乐团及名指挥合作演出。十月革命爆发时，举家迁往纽约。
1917年10月于卡内基音乐厅作第一次在美国的演出，并作环球旅行演出。一生旅行演奏达四十年之久，后在南加利福尼亚州大学任教十五年。他演奏曲目很广，从古典到近现代著名作曲家的协奏曲及小品都演出过。他改编过一些古典和现代作曲家的作品，如将罗马尼亚作曲家迪尼库原作的一首非常流行的民族舞曲《霍拉舞曲》改编为小提琴曲。


海菲兹-小提琴艺术的巅峰

雅沙.海菲兹（Jascha Heifetz，1901年～1987年），这是一个和上个世纪小提琴演奏史、唱片录音史紧紧连在一起的显赫名字，他使许多小提琴家自愧，让伴奏者害怕，令爱乐者着迷......他出生于立陶宛，三岁随父学习小提琴，四岁进入维也纳音乐学校，五岁在音乐会上演奏门德尔松协奏曲，8岁转入俄国彼得堡音乐学院，不久便成为奥尔的学生。第二年先后和柏林、莱比锡、维也纳等著名乐团合作演出，1912年10月，大指挥家尼基斯指挥柏林爱乐乐团为这位11岁的少年伴奏柴柯夫斯基协奏曲，轰动乐坛。十月革命爆发后，海菲兹举家迁往美国纽约。同年在卡内基大厅举行独奏音乐会，并开始长达40年的环球旅行演出，后在南加利福尼亚州大学任教15年，1972年退休。在长达60年的演奏生涯中，海菲兹的声誉登峰造极，近乎神话，迄今魅力不减。 海菲兹到了美国之后，不久就把各门各派的小提琴家击败，成为当时小提琴之王。他演奏的曲目很广，从古典到近代、现代著名的小提琴协奏曲以及小品都演出过，并改编过其中一些作品。

海菲兹在上个世纪30年代～50年代末的录音，是他演奏生涯的颠峰，这些小提琴协奏曲具有仿如天鹅绒般流畅顺滑的音色，无疑是音乐史上的珍宝和小提琴家的教本。当立体声录音时代来临后，海菲兹第二次绽放出耀眼光芒，他的完美演奏得以留传后世。这段时期海菲兹留下的录音，例如勃拉姆斯、贝多芬、门德尔松、柴可夫斯基等四大小提琴协奏曲，布鲁赫的苏格兰幻想曲，西贝流斯协奏曲，普罗高菲夫第二号协奏曲等演奏都是堪称颠峰时期的稀世典范录音。他的唱片（特别是编号是LSC的RCA版本），会比其他演奏家的同类唱片贵一两倍。这些近似于古董的LP唱片是否真的物有所值很难估量，但就录音价值来说，它们的确是无价之宝。可以说，海菲兹为小提琴演奏的技巧"制定"了一个活的标准，至今没有谁敢说自己的演奏技巧可同海菲兹比肩。曾传言海菲兹的师兄艾尔曼在现场聆听他在美国的第一场音乐会后紧张得浑身冒汗，并对身边的钢琴家说："你不觉得今天的天气太热了吗？"钢琴家笑着回答："也许对于钢琴家来说还不算热。"不久前刚刚去世的斯特恩曾感叹："拉小提琴的只有达到我这个水平才能真正理解海菲兹是多么伟大！"帕尔曼曾说："海飞兹大大地改革了小提琴的技巧，并把小提琴的演奏技巧推向了光芒万丈的巅峰。"梅纽因说："他是小提琴家眼中的小提琴家。"当年红极一时的克莱斯勒听完海飞兹的演奏后，感慨地对另一位大师金伯李斯特说："我们不如在膝盖上将小提琴打碎，回家耕田去吧。"可见，在当年高手如林的情况下，海菲兹的琴技用武侠小说中的话来形容已是"独孤求败"。海菲兹的演奏极具说服力，不谈那凌厉无匹的技巧，单单是那份君临天下的王者气质就不是其他小提琴家所能比拟的，但仍有不少人质疑海菲兹的诠释风格是否过于冷酷无情？一般乐迷也因他的这种演奏风格而认为其录音的音色冷硬。其实，这个观点很难站住脚。现实中，海菲兹是一位很有幽默感，体贴他人的音乐家，至于他在拉奏时目无表情，、面部冷漠，只不过是他也像大多数音乐家一样，将心神全然贯注于音乐，服务于音乐，面部当然无余暇"做表情"。

海菲兹的大部分录音都交给RCA唱片公司发表，但当年RCA唱片公司以低成本出版的唱片难免造成音色薄、干、冷硬，80年代中期出版的录音中高音竟然是以均衡器"制造"出来的，其效果可想而知。直到90年代初，RCA重新出版的海菲兹全集，才将这些录音中的精华一一奉献在我们眼前。除了RCA，日本的BMG公司在前两年翻制他在1939年～1955年的录音也非常优秀。

海菲兹一生中的作品精彩如云，笔者难以一一举例，这里仅向大家介绍市场上常见的几张精品碟。

1、片名：《Sonatas & Partitas for Solo Violin 》
演出：Jascha Heifetz 等
唱片编号：BVCC-37101-02 （2CD套装）
参考售价：250元
推荐星级：★★★★★

Heifetz曾在50年代初拍摄过一部黑白纪录片，上面记录他演奏巴赫的小提琴奏鸣曲与组曲。该片在技术上精心制作，小提琴的音色精确度堪称鬼斧神工，气势更是直捣黄龙，令观赏者目瞪口呆！以该片制作的旧版CD早期曾在市场上流行，但它们的音

风潮能有今天,是因为好的音乐被大家所接受.
能够有好的音乐,是因为有好的音乐人以一颗善良的心制作出来的.
没有他们的努力,可以说,没有今天的风潮."

Music Gate工作室
成立于1994年1月，结合了台湾、大陆两地杰出的音乐工作者，致力于学院派之外的中国新音乐创作，风格清新鲜明，深受喜爱。代表作有《清香落》、《含笑》、《去做人间雨》、《素颜鸽》、《花舞》、《樱花雨》、《笑弯了一根扁担》、《女窥》等。

马修连恩
在靠近北极圈的酷寒地带，那是一片长年被白雪覆盖，冬天太阳不会升到地平线上，夏天太阳不会沉落的奇异地方，那里是能耐严峻自然条件动物~驯鹿、狼、灰熊的保护区。这样一个一般人可能终其一生都不会到过的地方，却吸引了一个人越过加拿大大半个版图，选择居住那里。并且时常跋涉千里，四处旅行，足迹遍及这块处女地的任何角落。他赞叹大自然的鬼斧神工，他迷醉的聆听旷野中的声音，他爱怜的注视着野地里的动物，他恭敬的追溯原住民的过往，野地里的生灵在他心中累积成澎湃的旋律，倾注成一首首动人心弦的乐曲！这个人就是来自加拿大的马修连恩。马修这样的人格特质来自于体内奔流着自然与音乐的血液~而那是他双亲的赋予。

马修出生于南加州圣地牙哥，五岁时父母就离异，马修和姐姐跟着母亲住在圣地牙哥，虽然家境并不富裕，但是生活的窘迫并未阻止母亲对马修的栽培，她用了家中大部分的积蓄买了一架钢琴给马修。从此音乐就成为马修生活中不可缺少的部分。马修的父亲住在加拿大育空，一个位于加拿大与阿拉斯加之间的地方。从七岁开始，每年夏天马修都会来这里与父亲共度，这让马修异常的兴奋，因为育空是一个很特别的地方，他可以非常的接近大自然~随意的漂浮在湖面、静静的坐在山顶、甚至，到一些从来没有人到过的地方。

生活在这般原始的旷野、提升了马修保护野地的意识与灵感，他希望以这种热切的情绪，来感染并带动听者对于人文和环境有更敏感的感受。也就因为如此，马修的作品源自于自然，也有关自然，多年来他从事录音，作曲、演出与音乐制作等工作，作品从纪录育空地 区翻腾的冰山，到融合中国传统音乐元素，更熟习地将收录自原野的自然声音放进作品里~即使是冰块移动的声音，人们都说他的音乐里看得到『风景』。马修的音乐虽被称为环保音乐但却不是激进的，他只是如同纪录片般将事实呈现在眼前。马修这种视所有人与自然万物皆平等的胸怀，绝对可以在他的音乐中感受到。所以，马修的音乐里没有语言、文化、地域的隔阂，只有尊重、交流与融合。

杨锦聪
杨锦聪，1960年出生在新竹香山，他是台湾最大的独立制片唱片公司" 风潮有声出版有限公司" 创办人暨现任总经理。主要作品：温泉、天堂岛、遇见天空、青草坡、七星海。

范宗沛
台湾台北人。曾任国家音乐厅交响乐团首席大提琴手，现专事音乐创作，曾获第32届金马奖最佳电影配乐、1998亚太影展最佳电影配乐奖，出版有《意外的温柔》、《欲望的声音》等大提琴演奏专辑，深厚的编创实力深受乐界肯定。

林 海
福建人。毕业于大陆中央音乐学院钢琴主科，1989年入围范．克莱本世界钢琴决赛，现专事爵士音乐及新音乐创作。出版数张钢琴独奏专辑，乐风独树一格，倍受瞩目。

2000年夏 和林海走在午后喧闹的北京胡同里观光黄包车穿梭在长巷绿荫下暑气熏人 沿街摆开的麻将声沸腾着林海走近柳树下的一群 俯视着 赌兴正浓的老人们抬头望他一眼 不动声色如看一只飞鸟林海对我们尴尬笑了一下走开
这就是林海。不去打扰也不想被打扰，天生一股遗世独立的气质。在自己的屋里做音乐，说是自得其乐，却又孤独得很。不喜欢笑的人，笑起来却有孩子般的稚气。乐评人说他是个右手东方、左手西方的天才音乐家。「有着萧邦的气质，以及德布西的慵懒与优雅。」「具有George Winston亲和而强烈的旋律性，及Keith Jarrett丰富而充满想像的思考性。」林海却说，他就是个做音乐的人罢了。

十二岁开始接触爵士乐，加上扎实的古典音乐训练，让林海的音乐散发着独特的气质。他的钢琴，犹如印象派波光粼粼；突如其来的转调，聪明得让人惊奇；简单的动机，可以发展成令人目炫的光影；单纯的旋律，瞬间蜕变为壮丽的浪漫。

他游艺于古典、New Age、现代、爵士多风格之间，干净、空灵、温暖、恬静、自然。淡淡流露的文学况味，让乐曲飘散着人文气质，朴素、简静的创作风格，再现了他自己的心灵世界。
听他的音乐，成为最大的享受，因为发现了自由中的即兴、即兴中的自由。

黄雅诗
记得小时候，家里有客人来时，总会免不了被称赞一番，说：「妹妹好漂亮、好可爱。」，记忆中，父亲的反应却是板起脸，严肃地否定亲友的赞美。长大以后，慢慢了解父亲是怕我骄傲，担心我成为一个只知道在意外表的人，而忽略了充实内涵和知识。

也许因为父母的教导，对于人的外表，我没有特别的好恶。我知道有许多人虽然相貌平凡，却有一颗美丽的心，令人忍不住想要亲近，我想美丽的外表是禁不起时间的考验的，但是智慧和爱，是恒久而又真实宝贵的。

风潮公司简介

风潮原身为音乐中国出版社，由杨锦聪创立于1988年,成立之初只有三个人－－杨锦聪、素真(杨锦聪的邻居)、杨清(杨锦聪的三弟)。十二年来，从早期引爆台湾佛教界的佛教音乐开始，到重建国人信心的传统民族音乐，风潮始终坚持最优质的录音、最完美的作品！所以，才能制作出台湾唯一荣获世界音乐评鉴五颗星的佛教音乐专辑、才能推出让众多乐评人起立鼓掌的国乐发烧天碟！

此外，风潮更以建立优质生活为音乐出版的一大目标；从心灵到女性、从养生到风水环境；以与国际同步的资讯及制作水准，率先推出改变「音乐」定义的「功能性音乐」，带给消费者最大的便利。出版　「历史录音」、抢救再难得见的珍贵文化音声，更让外界为风潮在中国音乐史上大大记了一笔；民族音乐馆的诞生，代表风潮音乐态度的落实：所有的工作人员，深入录音第一现场，以面对面的接触写下真实的感动，所以风潮的作品是那么地有血有肉、才能在法国MIDEM唱片大展出尽锋头.

除了台湾境内健全的行销体制，完备的国际经销网，更让风潮的作品成功地登上世界舞台，风行于德国、荷兰、英国、美国、巴西、阿根廷、澳洲、日本、香港、中国大陆、星马等地；为让消费者有更多更好的选择、分享不同地区美好的艺术与文化，风潮亦不断自国外引进高品质的音乐作品。

风潮公司创业史

曾经，一位文化、音乐界的闻人这样形容风潮：「以一当十闯天下」！是的，自1988年风潮成立以来，就是凭着一股对音乐的热忱，在台湾音乐界中勇敢的奋斗、勇敢的坚持。成立之初，我们知道自己很小，但是我们的音乐绝对重要！因为，风潮有非常明确的音乐理念、追求完美的音乐态度；十年来，我们创造了自己的风格、也赢得了外界的肯定。现在，我们站得更稳，做的更多，并可以骄傲噢：我们已为二十世纪的音乐，创出另一股风潮！

这些年来，别人做不来的，我们排除万难；别人曾经忽略的，我们视为珍宝：从早期引爆台湾佛教界的佛教音乐开始，到重建国人信心的传统民族音乐，风潮始终坚持最优质的录音、最完美的作品！所以，才能制作出台湾唯一荣获世界音乐评鉴五颗星的佛教音乐专辑、才能推出让众多乐评人起立鼓掌的国乐发烧天碟！

此外，风潮更以建立优质生活为音乐出版的一大目标；我们关心的层面从心灵到女性、从养生到风水环境；以与国际同步的信息及制作水准，率先推出改变「音乐」定义的「功能性音乐」，带给消费者最大的便利。出版　「历史录音」、抢救再难得见的珍贵文化音声，更让外界为风潮在中国音乐史上大大记了一笔；民族音乐馆的诞生，代表我们音乐态度的落实：所有的工作人员，深入录音第一现场，以面对面的接触写下真实的感动，所以风潮的作品是那幺地有血有肉、才能在法国MIDEM唱片大展出尽锋头！

除了国内健全的行销体制，完备的国际经销网，更让风潮的作品成功地登上世界舞台，风行于德国、荷兰、英国、美国、巴西、阿根廷、澳洲、日本、香港、中国大陆、星马等地；为让消费者有更多更好的选择、分享不同地区美好的艺术与文化，风潮亦不断自国外引进高品质的音乐作品；我们期待在这样积极的双向交流之中，能为台湾音乐界带来更多的刺激、更良好的音乐环境。

过去的经验及努力，为现在的我们扎了又深又实的「根」，对于未来，我们有更多的信心大步迈进！外界的肯定，对我们是最大的鼓励；而我们也相信，自己的成绩，更是让风潮备受瞩目的原因。的确，是音乐，荣耀了我们的生命！

得奖系列 入围系列

2001年《我的海洋》吴金黛
　　　金曲奖最佳专辑制作人奖 2001年《林海。猫》最佳器乐专辑
　　　 第四届年度新世纪声音音乐奖 (美国)
2001年《童年》金曲奖最佳儿童乐曲专辑奖 2001年《遇见天空》最佳新世纪音乐专题
　　　第四届年度新世纪声音音乐奖 (美国)　
2001年《关山月》金曲奖最佳民族乐曲专辑奖 2001年《童年》北京天使合唱团
　　　金曲奖最佳演唱人奖入围
1999年《 迷胡》国际AFIM Indie
　　　Awards" Traditional World" 传统世界音乐奖 2001年《台湾狂想曲》黄辅棠
　　　金曲奖最佳作曲人奖入围
1999年《 平埔族音乐》
　　　金曲奖最佳民族乐曲唱片奖 2001年《台湾狂想曲》
　　　金曲奖最佳古典音乐专辑奖入围
1998年《 迷胡》美国Crossroads MusicAwards" Traditional World" 传统世界音乐银牌奖 2001年《猎人》王宏恩
　　　金曲奖最佳方言(男、女)演唱人奖入围
1998年《山上的孩子》
　　　金曲奖最佳儿童乐曲(故事)唱片奖 2001年《林海。猫》
　　　金曲奖流行音乐演奏专辑奖入围
1998年《美浓人?美浓歌》
　　　金曲奖最佳民族乐曲唱片奖 2000年《七星海》
　　　金曲奖流行音乐类最佳演奏专辑奖入围
1997年《土地与歌》金曲奖最佳民族乐曲唱片奖 2000年《恒春半岛民歌纪实》
　　　金曲奖最佳民族乐曲专辑奖入围
1995年《爱在草原的天空》
　　　蒙特娄影展音乐艺术成就奖 2000年《恒春半岛民歌纪实》
　　　金曲奖最佳唱片制作人奖入围
1995年《排湾族的音乐》唱片出版金鼎奖 2000年《海角一乐园》
　　　金曲奖最佳流

世界上大大小小的唱片公司林立，唱片品牌多如牛毛，仅出品古典音乐唱片的品牌就有上千个之多。笔者把这些唱片品牌划分为两类：一类叫“主流”唱片品牌。这类唱片公司规模宏大，历史悠久，资金雄厚，旗下名家大师云集，所制作唱片曲目众多、覆盖面广，在唱片市场上占有主导地位，如DG、EMI、SONY、DECCA、RCA、PHILIPS等。另一类叫“非主流”唱片品牌。这类唱片公司规模都比较小，有的只有几个人，成立的时间也多在二、三十年左右，旗下的艺术家多数名气不大，所录制的唱片无论是曲目的覆盖面，还是数量种类都无法与“主流”唱片品牌相比(不少品牌每年仅出几张唱片而已)，只在国际唱片市场上占据很小的份额。然而这类唱片品牌采取扬长避短的战略，主攻“冷、僻、少”的曲目，邀请报酬少的实力派音乐家录音，坚持走中、低价位的售销路线，营造“发烧”级的音响效果，使这类唱片品牌形成了自己的特色和优势，不仅在“主流”唱片品牌称霸天下的情况下生存下来，而且在唱片界和广大的乐迷们中树立了自己的良好形象，频频获各种国际唱片大奖，更有众多唱片荣登包括《企鹅唱片指南》、《留声机杂志》在内的唱片评介指南，具有很高的购买和收藏价值。这类唱片品牌也越来越多地进入国内唱片市场，受到乐迷特别是资深乐迷们的欢迎。下面笔者就对特色比较鲜明的一些“非主流”唱片品牌作一简略介绍(不包括专门制作“发烧片”的品牌)。

1. Chandos
成立于60年代初的英国唱片公司。创始人为柯仁斯(Brian Couzens)，最初只是向大公司推销唱片策划。现已发展为在美国拥有分公司的中型唱片公司，且具有家族色彩，柯仁斯担任出品人，儿子担任录音师，女儿负责发行销售。Chandos的录音以英国作曲家尤其是二十世纪英国作曲家的作品为主，包括名不见经传的作曲家，同时也兼顾早期音乐、民族乐派和古典、浪漫曲目，其中室内乐作品占有很大的比重，多为罕见曲目。如勒克莱尔、蒙车维尔、吉耶曼、马兰等人巴洛克音乐，巴克斯的交响曲，胡迈尔的钢琴协奏曲，马克艾文的叙事曲，布里斯的大提琴协奏曲，梅特纳的小提琴奏鸣曲，多纳尼的室内乐，马丁的管弦乐作品，拉威尔的铜琴三重奏等。目前已出版1000张左右的唱片，行销世界各地，其中有十多张唱片获Gramophone唱片大奖，二十多张被《企鹅唱片指南》评为“三星带花”。在Chandos录音的多为英国本土的音乐团体和指挥家、演奏家、广受好评的有鲍罗丁三重奏组、加布里埃四重奏组、珀塞尔四重奏组及西蒙、汤姆森等指挥家。近年来也与国外音乐家签约，如杨格斯指挥奥斯陆爱乐等。Chandos的唱片多由数码方式录制，效果一流，不少唱片达到了“发烧”水准。如由悉尼交响乐团演奏的巴赫作品管弦乐改编曲等都是有名的“发烧片”。

2. Erato
法国唱片公司，成立于1953年，是法国最古老的科斯塔拉音乐出版社的下属公司。这个唱片品牌从一开始就以宏扬法国音乐为宗旨，虽然公司人事几经变动，但总是刻意突出它的“法国风味”。曲目包括了从十七八世纪法国作曲家到目前仍在世的当代法国作曲家的作品，其中有数百项录音都是世界首次录音，或者是在大唱片公司的目录上难以找到的。如杜卡、拉罗、肖松、福雷、 夏布里埃、拉威尔、德彪西等人较为冷僻的歌剧，鲁塞尔、梅耶尔的全部交响曲和圣桑录音很少的第一、二交响曲，拉威尔的钢琴作品全集，圣桑、福雷的全部室内乐作品，布列兹、梅西安、 兰多夫斯基、米约等当代作曲家的作品。此外，也录制了不少巴洛克、古典和浪漫时期的音乐作品。和Erato签有录音合约的演奏团体和指挥家、演奏家众多，早期有安德烈(小号)、朗帕尔(长笛)、拉斯金(竖琴)等，近十几年有加迪纳、巴伦伯伊姆、布莱兹、迪图瓦、科恩、罗斯特洛波维奇、马泽尔等指挥家及法国国家乐团、瑞士法语区乐团、里昂歌剧院管弦乐团、英国广播公司交响乐团、芝加哥交响乐团、伦敦交响乐团等乐团，演奏家有皮尔斯(钢琴)、庞米埃(钢琴)，列平、明茨、阿玛雅尔(小提琴)，纳瓦拉、皮杜(大提琴)，此外还有著名的帕雅尔室内乐团。Erato属于世界五大唱片集团之一的华纳唱片集团。

3. Harmonia Mundi
法国唱片品牌。创立于1958年，其名字为拉丁文“和谐世界”之意。创立初期专门录制不同时期的管风琴音乐，并形成 了一个唱片系列，在唱片市场上出奇制胜。其后又录制欧洲曾非常盛行的“假声男高音”演唱的曲目，再次出奇制胜。HM目前仍以发掘罕见曲目为主，如中世纪、文艺复兴、巴洛克音乐，以及古典、当代一些不太知名的作曲家的作品，此外也录制了不少经典曲目。HM的早期音乐，不仅曲目众多，而且质量上乘，品味高雅，制作精致，很多都是难得一见的珍品。其中有不少音乐都是从原稿中去考证，然后重新修订乐谱，最后再正式录音。为了保证这些音乐的“原汤原汁”，HM专门成立了以该公司古乐专家克莱曼西克(René Clemencic)名字命名的古乐演奏团，所使用的乐器也都尽量仿制当时的乐器。此外，旗下还有马德里古乐合奏团、维也纳古乐合奏团等古乐演奏团体，所录制的唱片频频获各种国际唱片大奖，如古乐版的《布兰诗歌》、《匈牙利早期舞曲集》、《愚人节》、《古希腊音乐

DG公司

目前国内市场的进口古典音乐唱片,PolyGram(宝丽金)的量最大,在PolyGram所属的公司中,DG公司在录音上追求的是整体的效果,是一种对德国式严谨结构的追求.为了整体效果,他们甚至削弱乐队中某一件具体乐器的音质.DG公司拥有两支超一流的乐队:柏林爱乐乐团与维也纳爱乐乐团,这两支乐队本身也是以整体素质而称雄于天下的.对整体的完美艺术追求,使DG公司的交响乐作品一般都具有很优质的厚度与力度.

DG：德国留声机公司的品牌。1898年，该公司由唱片业的创始人伯利纳成立，由英国留声机公司控股。1917年它从英国留声机公司脱离出来，使用Polydor(宝丽多)商标。由于卡拉扬、伯姆等一批大师的加入，它从五十年代迅速崛起，在古典音乐界树立起权威地位。指挥大师富特文格勒、伯恩斯坦、姆拉文斯基、阿巴多、约胡姆、弗利乔伊、布列兹、西诺坡利、加德纳、小提琴家奥伊斯特拉赫、米尔斯坦、克雷莫、穆特、帕尔曼、吉尔·沙汉姆、钢琴家霍罗维兹(晚期录音)、肯普夫、戈尔达、安达、米凯朗杰利、阿格里希、波里尼、齐莫尔曼、皮雷丝、大提琴家富尼埃、罗斯特洛波维奇、麦斯基、歌唱家多明戈、冯·奥特、奥菲欧室内乐队等新老演奏精英都在它的大旗下制作了大量经典唱片。去年，为纪念公司成立100周年，DG推出了一套宏篇巨制“DG百年特别专辑”，7大盒63张CD，搜罗了DG自创建以来各个时期的重要录音。今年，60张CD的“切利比达克专辑”是DG重点推出的一套唱片。

Archiv也是DG的品牌，1947年创立，重点在于中世纪、巴罗克时期的古乐。1974年至1975年间，它曾推出规模浩大的巴赫专辑，共99张密纹唱片。现在，它旗下的著名艺术家有加德纳的英国巴罗克音乐独奏独唱团、革命与浪漫管弦乐团等。过去，不少人批评DG的录音质量参差不齐，音色较为严峻刚硬，不讨中国人的喜欢。近年来，DG坚持在新唱片的录制中使用它的4D专有技术，取得了良好效果。现在，它的CD音质已稳定在很高的标准上。

在DG公司录音的指挥家,当然首推卡拉扬与伯恩斯坦.除他们两位外,还有约胡姆、库贝利克、阿巴多、朱里尼、布列兹、西诺波里、小泽征尔、莱文等.卡拉扬的风格,追求的是严谨的结构、强烈的跌宕起伏和通过这种强烈的起伏而构成的幅度与力度.在他的作品中,快与慢、亮与暗、柔和与犀利,常常像梭子一样来回交织,充满了潇洒的帅气.卡拉扬与沉闷无缘,他的作品在戏剧冲突之后,常常是亮丽的辉煌.他所指挥的浪漫主义时期作曲家的序曲、交响诗,你见到买了就是,绝对都是最好的.他所指挥的浪漫主义时期德奥作曲家的作品,60年代、70年代的ADD录音一般都比较贴近于作曲家的原创作.80年代的数码版则往往视作曲家的原创作不顾,完全按他的结构需求去做,在速度上的差异非常大.他可以把《田园交响曲》演奏成一部速度极快、张力极强的作品.卡所扬的录音上是非常讲究的,他经常自己操作录音,录制一部作品常常要做许多遍,这种制作,使他的整体效果达到了至善至美的境地.要是抛开作曲家作品的背景,几乎任何作品都是听他的远比听别人的过瘾.卡拉扬所指挥的交响乐中的极品,我以为是贝多芬、布拉姆斯、布鲁克纳、西贝柳斯、理查·斯特劳斯和马勒.

伯恩斯坦与卡拉扬,正好形成了两极.卡拉扬是严整,伯恩斯坦则是极度的浪漫;卡拉扬是典型的德国文化风格,伯恩斯坦则是典型的美国文化风格.伯恩斯坦常常追求极端的效果,他的作品似乎一直是对浪漫的酝酿、发挥和爆发过程.他可以把这个过程的时间施得很长,发挥到淋淳尽致的程度.他在DG录制的作品中,凡是美国作曲家的作品,包括他自己与别人的作品,都是首选.极品还有他指挥纽约爱乐乐团录制的马勒第二交响曲(423 395-2)与他指挥芝加哥交响乐团录制的肖斯塔科维奇的第七交响曲(427 632-2).前者的末乐章与后者的第一乐章,都把浪漫发挥到了极点.马勒第二交响曲的末乐章他用了40分钟,肖斯塔科维奇的第七交响曲的第一乐章则用了30多分钟.

约胡姆是老资格的德国指挥家,是研究布鲁克纳的专家.他录制的全套布鲁克纳交响曲,虽然在效果与音响技术上不如卡拉扬,却有一定深度.他的布鲁克纳全套弥撒曲(423 127-2)也很出色.库则利克是捷克人,是公认的德沃夏克的专家,他录制的全套德沃夏克交响曲(423 120-2)与匈牙利籍的克尔泰斯在Decca公司录制的那一套同被认为是德沃夏克交响乐的首选,两套比较,克尔泰斯版更为活泼,但库贝利克这一套因为柏林爱乐乐团的技术,色彩感更为丰富.阿巴多与卡拉扬相比,显然不如其厚重,但歌唱性特别好,他的色彩是那种温暖的五彩缤纷的组合,别有一种味道.他指挥的贝多芬、马勒,我们可能感觉有些薄,但他指挥的歌剧序曲则套套精彩.他指挥的柴科夫斯基的第四交响曲(维也纳爱乐乐团,429 527-2)、拉威尔的作品(伦敦交响乐团 429 768-2)、门德尔松(伦敦交响乐团,415 353-2)的作品都很优秀.他的作品中最杰出的,我以为是指挥欧洲室内乐团的那一套舒伯特的交响曲(423 651-2).布莱兹是演奏20世纪作品的专家.他指挥的20世纪音乐都很出色,最优秀者是指挥克利夫兰管弦乐团演奏斯特拉文斯基的《春之祭》(435 769-2).小泽征尔指挥的舞剧音乐,莱文指挥的歌剧,也都有相当的优势.

DG公司的CD,要说装帧设计,大约

这是爵士乐在现代音乐史中各个时期的各种音乐型式的资料，包括了音乐的来源、特色，着名的乐手或歌曲，希望能帮助你更了解爵士，进而更喜爱爵士......

工作歌(Work Song)

这是十九世纪中叶普遍存在美国南方棉花田、港口、铁路和农村，劳苦黑人奴隶在工作时所唱的歌曲，后来它成为蓝调和早期表演形式走唱秀(Minstrel Show)的重要创作题材。

蓝调(Blues)

蓝调音乐的产生是为了抒发演唱者的个人情感，顾名思义，这种音乐听起来十分忧郁(Blue)。这种以歌曲直接陈述内心想法的表现方式，与当时白人社会的音乐截然不同。蓝调音乐最重要的作曲家即是W. C. Handy，这位1873年出生于美国阿拉巴马州的「蓝调之父」，创作了许多知名的蓝调音乐，例如：St. Louis Blues、Yellow Dog Blues、Aunt Hagars’ Blues、The Memphis Blues、Beale Street Blues等等。

繁音拍子(Ragtime)

是一种采用黑人旋律，依切分音法(Syncopation)循环主题与变形乐句等法则，结合而成的早期爵士乐，盛行於第一次世界大战前後。其发源与圣路易斯与纽奥尔良，而後美国的南方和中西部开始流行，它影响了纽奥尔良传统爵士乐的独奏与即兴演奏风格。繁音拍子後来发展成结合流行音乐、进行曲、华尔滋与其他流行舞蹈的型式，因此繁音拍子的歌曲、乐器管弦乐队编制的曲目陆续出现，它不但在黑人乐手与乐迷间流行，也被美国白人中产阶级所接受。

纽奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz)

这种乐风的组成元素，就如同美国是一个民族文化大融炉那般复杂、多元化，它包括：蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗与碎乐句(Rags)等音乐元素，以对位法(Countpoint)与繁音拍子的切分音法等主体性音乐创作为动力元素，结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律核心为要件所展现出来的音乐体系。纽奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主，演奏主旋律的乐器是：短号、黑笛、萨克斯风与伸缩喇叭；伴奏乐器则有：土巴号、班鸠琴、贝斯(常以拨奏为主)、小提琴、鼓和钢琴。它们经常多部同时进行对位吹奏，制造出一种热闹、欢乐气氛。

ODJB (The Original Dixieland Jazz Band)

这是历史上第一个在1917年灌录爵士乐唱片的白人五重奏乐团，它的五位原始成员全部出生在纽奥尔良：Nick LaRocca(领导人、短号)、Larry Shield(竖笛)、Eddie Edwards(伸缩喇叭)、Tony Sbarbarl(鼓)和Henry Rags(钢琴)。ODJB在芝加哥逐渐窜起後转到纽约发展，并在当地造成轰动。但是缺乏创造力、只迎合大众口味的乐风，很快的遭到新一辈天才爵士乐手们的挑战，并于20年代中期解散，走进爵士乐的历史。

狄西兰爵士乐(Dixieland)

这是1917-1923年间，在纽奥尔良与芝加哥等地的爵士好手发展出来的早期爵士乐风，它也是纽奥尔良传统爵士乐的一个分支。Dixieland的英文原意是军队露营之地-"Dixie’s Land"，因此可想而知它与进行曲等音乐有关。这种风格的取材大都来自蓝调、进行曲，与当时的流行音乐，甚至某乐曲的某一小乐段，都可以拿来加以延伸、推展，这便是即兴演奏的滥殇。有的爵士乐历史学者将"白人"乐手演奏的"New Orleans Traditional Jazz"称为狄西兰爵士乐；而黑人演奏的"New Orleans Traditional Jazz"则称为纽奥尔良传统爵士乐。

大乐团(Big Band)

大乐团时代大约是起源于20年代中後期，以艾灵顿公爵( Duke Ellington)、贝西伯爵(Count Basie)、班尼固德曼(Benny Goodman)等人为主的爵士乐风格，它不只兴盛於30年代中期的摇摆乐时期，40年代中期的咆哮乐、50年代的酷派爵士乐及改良咆哮乐、60年代的自由爵士乐、70年代的爵士／摇滚融合乐，乃至80年代的新咆哮乐中，都找得到它的踪迹。大乐团的编制一般在10人以上，涵盖3支以上的小喇叭、2支以上的伸缩喇叭、4支以上的萨克斯风及贝斯、吉他、鼓和钢琴等伴奏乐器，透过这个大型组织，演奏各种爵士乐风的曲目。

摇摆乐(Swing)

最早起源于1930年前后，在1935-1946年间达到巅峰，其中最能代表这个乐风的则是「摇摆乐之王」班尼固德曼所领军的六重奏(Benny Goodman Sextet)。20年代中後期，爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎，许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐，因此需要更多适合跳舞的音乐，来满足蜂涌而至的年轻人与中产阶级。摇摆乐後来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步，演变成为歌舞表演的伴奏乐队和演奏会音乐(如：艾灵顿公爵每年定期在卡内基音乐厅演出)；摇摆乐因适合於跳舞，每小节有四拍，因此又被称为「四拍子爵士乐」。

咆哮乐(Bebop or Bop)

以字面上看，咆哮乐是一种吵杂喧闹的爵士乐，它的英文原名Bebop、Bop或Rebop在40年代初期萌芽时都有人使用，Rebop可能源自拉丁美洲一些乐队吹奏的曲目-"Arriba"(哭叫的)，但现在已无人使用了。咆哮乐是一种反叛性的爵士乐，它不只承袭纽奥尔良爵士乐与摇摆乐的传统音乐元素，并在创作概念上创新、突破和革命。它最重要的特质是在于强调高度变化、富层次感的节奏部，同时，咆哮乐手也发明新的和声，以更自由宽广的空间，发挥

一、 爵士乐的起源

爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐 、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克…… 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。

→爵士乐的来源---布鲁斯和拉格泰姆

爵士乐是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上，融合了某些白人的音乐成份，以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的。

布鲁斯（Blues）

布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式，它的来源已无从考查。但是有一点可以确定，它与黑人的种植园歌曲（劳动时集体合唱的无伴奏歌曲）有着一脉相承的关系。后来，由于种植园经济的衰落，黑奴逐渐变米杂桑

“相信你自己存在信念无穷, 无论机会是否会出现在你的身边。”

— 凯文·科恩


他的双眼几乎看不见，但他的音乐却意外地澄清剔透…

曾经的合作伙伴之一Terence说,"与凯文合作的原因之一是，凯文具备将任何一段思想、一张照片翻译成精致曲子的能力。如果我是草地，凯文是一个将声音铺于草地上，并令所有人对它共鸣的人。"

Kevin Kern于底特律出生,四岁开始在一位私人的指导教师学习，14岁登台表演，并且与其他伙伴成立了一个小乐团。在新英格兰音乐学院获得钢琴碩士后，1990年开始在旧金山进行表演。

1995 年的圣诞节，当Real Music唱片公司董事长Terence Yallop在旧金山的一间旅馆听到一首圣诞节颂歌钢琴曲时，他被Kevin Kern的钢琴天赋所深深折服。

在Real Music唱片公司签约Kevin Kern后的第2年，推出《In the Enchanted Garden 绿色花园》专辑。专辑立即在新世纪音乐、爵士乐和古典等听众之中产生了重要影响，也成了一大堆乐评家的喜好之物，在美国Billboard排行榜保持上榜6个月之久。之后的《夏日梦舞》《时间之河》在全球销售皆已突破金唱片，皆为行家指定收藏的名盘，近期第四张专辑《珍爱今生 In My Life》中，更融合前三张专辑的精华，从演奏到录音尽属精雕细酌之作，由于他总是在琴键上用情至深，对生命浪漫至极，于是他有了一个十分贴切的封号─「现代肖邦」。

虽然Kevin Kern生活在一个缺乏视界的易脆世界，但是他的思想和感觉使得他的音乐到处充满大自然的味道。每首钢琴曲听起来都像每一部浪漫电影主题般，像秋风一样平滑地在耳边细说往事。

藉着钢琴曲，深夜中的你，心情是复杂还是简单?





★绿钢琴～Billboard新世纪榜蝉连26周
　　本片开启了新世纪钢琴前所未有的田园派风格，彷佛在浓浓的青草香气中，呼吸到充满透明感的空气，这不仅是凯文的成名作，也是新世纪钢琴史上最重要的十张专辑之一。

★夏日梦舞～Billboard新世纪榜TOP20珍藏碟
　　聆听本辑彷佛飞入莫内的画中，清澈的钢琴音色，妆点出绮丽的光影；再融合大提琴与小提琴婉约低诉，形成比例完美的弦乐合奏，娓娓道出夏日的恬静梦幻，

★时间之河～Billboard新世纪榜TOP20珍藏碟
　　本辑将光阴的流动、消逝、堆积，以感性的编曲，装束起一波波华丽绵密的音阶，在钢琴音乐史上，是绝无仅有的超现实梦幻极品，凯文也因本辑而被誉为「现代肖邦」。

★珍爱今生～美国乐坛先锋乐评强力推荐
　　重新诠释艾尔顿.强经典作〈We All Fall in Love Sometimes〉、约翰.伦农抒情曲〈In My Life〉，此外还邀请大提琴巨匠Thalia Moore与小提琴圣手Jeremy Cohen跨刀演出，使本辑更添经典重量感。

★云淡风轻～Billboard新世纪榜TOP15珍藏碟
　　本辑音乐开场似风般轻柔吹拂过，间或搭配吉他、提琴等，弹指之间，温暖有力的琴声有抚慰人心的力量，还给你一颗清明的心，转眼再看待世事便有如云淡风清般豁然开朗。

★风的轨迹～Billboard新世纪榜TOP10珍藏碟
　　强大制作阵容，2002乐团加盟（Pamela Copus在各种管乐器上都表现非常出色，Randy则补充一些领声和其他声音),吉他Jeff Kinsky,小提琴Jeremy Cohen,单音轨铃Terence Yallop，Rainstick Kevin的妻子Pam,钢琴Kern。完美组合再现震撼“音景”，不失温和舒畅，但是份量和给人的感觉是更加充实。


官方网站：http://www.realmusic.com/a_kern.htm




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资料来源：雅燃音乐天空

一、 什么是New Age
二、New Age的由来
三、New Age音乐的特色
四、New Age的分类及常见的表演形式
五、New Age音乐的创作特征




一、 什么是New Age?

New Age音乐，好像连一个像样的官方的译名都欠奉。是新音乐？减压音乐？就这个问题--我们找了两位有分量的代表尝试解答。首先《音乐殖民地》的总编袁智聪认为，New Age音乐早存在YUPPIES（优皮士）间的音乐种类，这个注重意境化及背景化的音乐，通常是YUPPIES一日辛劳后，回家静心享受的音乐类型。另一位则是吴湛铨先生，是专门发行New Age音乐的唱片公司负责人，他觉得New Age音乐范畴很广，有太空感觉，EASY LISTENING类别，以至营造大自然气氛。甚至最近那些与治疗健康并用的都被纳入范畴，党阁下以“好听”及“舒服”来形容这些音乐时，你可以知道其实你已进入了New Age音乐的领域！电视剧《烈火雄心》、《聊斋》、甚至是不分日夜狂追的日剧，他们也都用上大堆New Age作背景音乐。还有些高级商场或时装店（如Joyce Bontique），亦借用New Age音乐的力量来营造舒适、恬静及和谐的环境气氛。当阁下的心神觉得恬静和平时，便是New Age所引发的力量。

60年代末期，德国一些音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或即兴表演方式，启迪了许多新进音乐家运用更多元的手法开拓新的领域。该时期的音乐己具备了New Age的发展雏形。到了70年代，在一群艺术家的不懈努力下。New Age得以正名，他们把这种非流行、非古典、具实验性质的乐风取名为New Age，它指的是一种“划时代、新世纪的音乐”。90年代的今天，New Age音乐呈现出了更多样化的风貌。乐界已形成一股百家争鸣、各拥其妙的新势力。正因如此，New Age不只是一个单纯界定乐风区别的名词，而是象征着时代的演进、形而上精神内涵改良的世纪新风貌。

新世纪音乐作是新世纪哲学的对应，它包容从现代轻松音乐一直到冥想型灵魂探索音乐。新世纪音乐采用电子乐器，包括西方与非西方的乐器，及偶尔的歌唱，创造缓和的旋律来适应现代生活快节奏。为寻求精神治疗和超越，新世纪音乐人时常借用非西方音乐的元素--就象新世纪哲学对非西方哲学的吸收一样。


二、New Age的由来

在八十年代初，一位名叫米恰琼斯的加拿大钢琴家写了一本曲集。那里收进的乐曲，都有很美丽的、画面似的标题，例如《彩虹之后》、《梦境之外》、《阳光谷》、《太空蝴蝶》等。他在前言里面写了一个自己的小传，说他曾想成为一个音乐画家，后来，慢慢地，他找到了自己的音乐语言。这时侯，他不再追求用音乐去描绘什么形象，而是表现感觉，那种静夜里雪花落下轻触地面的感觉；吹过莎草的清风的干燥呼吸的感觉；远天闪电的折纹的感觉；傍晚的湖水拍打着岸边的感觉……

米恰琼斯的乐曲都很安静，大多数都用一种音型不断地反复着；和声简单，很少有复杂的不和协音响，似乎变格进行和调式风格更多见；旋律纯朴，通俗易懂；音调的个性不强，有时甚至没有旋律。听着，听着，你会忘了这是米恰琼斯的音乐，而是树叶的悄悄细语。

这位钢琴家在一九八三年的时候遇到一家音乐出版公司的经理，这位出版商一直想推出一种新鲜口味的、适合人们在休闲时候听听的音乐。两人一拍即合，不久米恰的作品便渐渐在美国流传起来了。最初，这种音乐还不那么起眼，各家唱片店的老板又不知道该把它放在哪一栏里，它像轻音乐，没有什么深奥的道理，可又有几分古典音乐的风骨和气派；它是通俗的，可又显示着超脱的情调；它是易于流行的，但是却没有一般的流行音乐那么平庸或骚动。有些唱片店就只好把它列在所谓最新到货专柜下，渐渐的，就成了气候，港台的一些刊物亦随之改译作“新纪元”或“新世纪”音乐。

这种介于轻音乐和古典音乐之间的新样式。它们大致上可分三大类。第一类是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近东方乐器音色的乐器，如双簧管、英国管等，另一方面，民间性质的乐器，如曼多林、手风琴、排箫等也常可听到；有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等，现在还有些新纪元音乐家热衷于把那些非洲的战鼓等原始的乐器掺入他们的音乐中，第二类则是电声乐器，它所制造的音响也偏重神秘的、飘渺的色彩，许多新纪元音乐家都是电脑音乐高手。第三类是前二者的混合。有些唱片商在制作这三类演奏形式时，往往还会加上自然界的音响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳等等。

在新纪元音乐唱片的专柜上，还可以找到许多干脆就是把维瓦尔第、考累利等古典音乐家的作品配上瀑布声音作为“新纪元”音乐发售。这多少说明了这种新纪元音乐的倡导者们的意图：听着这种音乐，让人仿佛置身于大自然之中，换句话说，就是忘记西方现代文明社会的喧嚣和忙碌。因此，除了大自然之外，久远而神秘的古代，纯朴而素雅的民谣，也是新纪元艺术家们所热衷的题材。恩雅之所以能够走红，正是因为她的歌适应了厌倦摩托时代的听众的需要。你怎会想到，一张发黄的小照作为封套的唱片，对于怀旧的人们竟有如此的魅力。

1980年初，Del Mar咖啡馆建成于依比萨Ibiza岛海岸边，
其极具特色建筑与令人神往的日落马上吸引了许多游客。
伴随着优美景致应运而生的音乐文化范围涵盖了Jazz爵士、Blues蓝调、Classical古典、Electronic电子等,
自此日落和音乐便成为Cafe Del Mar的一部分。

1980年代末，以录音带方式发表的音乐合辑开始发售，
1994年英国电子音乐厂牌React正式发行以Cafe Del Mar音乐为主题的第一张CD，
收录了如Underworld A Man Called Adam等知名电子音乐艺人的作品。
随着这张合辑的成功,
1995、1996年夏季。又推出了Cafe Del Mar Vol.2和Vol.3.
商业上的成功使得英国宝丽金公司再度于1997和1998年分别推出了Cafe Del Mar Vol.4和Vol.5,
而这5张合辑共约120万张销量。

今天Cafe’Del Mar除了是Ibiza的代表外，
同时也是美丽日落的代名词，
如今更变成了一种音乐的代名词，甚至为时尚的谈论话题。

→Chill Out 酒吧音乐

Chill Out属于电子音乐。但是和纯电子音乐比起来，Chill Out音乐的一个特色, 就是将环境音乐（Ambient）元素与清新女声融合, 配以飘逸的电子音乐, 注重旋律性，节奏和缓，通常带有Trip-Hop、Drum N Bass、Down Tempo、Jazz等音乐元素，带来清凉舒服的的听觉享受。虽然某些纯音乐的部分也许会让人有昏昏欲睡的感觉，但总体来说显得既温文尔雅又时尚雅致，不必象摇滚一样叛逆愤怒，也不象锐舞派对的音乐那么歇斯底里，比纯粹追求碎拍节奏的电子乐更多了温暖的人声，又比爵士、布鲁斯音乐更欢快舒服。


     

原因一：屏幕刷新率不足

查看“显示属性→设置→高级→监视器”，调高刷新率。

原因二：电磁干扰

移远音箱，手机等产生电子波的物体。

原因三：显卡有灰尘

用橡皮等干燥工具清洁显卡及其附近区域。

原因四：显卡接触不良

重新固定显卡。

(注意：本文中的信息只适用于安装了 Windows 桌面更新组件的 Internet Explorer 5。该组件与 Windows 98 一起安装，也可以与 Internet Explorer 4 一起安装。)

概要
本文讨论如何在“快速启动”工具栏上重新创建“显示桌面”图标。如果已将“显示桌面”图标删除，则您可能需要使用该方法。

更多信息

请按照下列步骤，在“快速启动”工具栏上重新创建“显示桌面”图标：

1. 使用任何文本编辑器（如“记事本”），创建包含下列行的文件：
[Shell]
Command=2
IconFile=explorer.exe,3
[Taskbar]
Command=ToggleDesktop

2. 在 Windows\System 或 Winnt\System32 文件夹中，以 Show Desktop.scf 名称保存新文件。注意，“记事本”可能会自动将 .txt 作为文件扩展名。如果“记事本”添加了该扩展名，请将其删除。如果将文件命名为 Show Desktop.scf.txt，则这些步骤无效。

3. 退出“记事本”。

4. 使用 Windows 资源管理器或“我的电脑”，右键单击“Show Desktop .scf”文件，然后单击“创建快捷方式”。

5. 将新的快捷方式复制到相应的文件夹中。

在 Microsoft Windows 95 或 Windows 98 中，将该快捷方式复制到以下文件夹中：
Windows\Application Data\Microsoft\Internet Explorer\Quick Launch

在 Microsoft Windows NT 或 Microsoft Windows 2000 中，将该快莘绞礁粗频皆下文件夹中?
Winnt\System32

在 Microsoft Windows XP 中，将该快捷方式复制到以下文件夹中：
WINDOWS\System32\Config\Systemprofile\Application Data\Microsoft\Internet Explorer\Quick Launch

6. 重命名桌面快捷方式。
此时，“显示桌面”图标就会自动出现在“快速启动”工具栏上。

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来源:微软中国

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新年是全世界人民共同的节日。人们庆祝新年的方式有各种各样,但世界各大城市都不约而同地会有一场高水准的音乐会，在轻松美妙的音乐中宣告新的一年的开始。

新年举行音乐会的传统源自维也纳。时至今日，每年一度的维也纳新年音乐会仍是世界最引人注目的年度音乐盛会，全球绝大部分电视台和电台都进行现场直播，听众数以千万。每年的维也纳新年音乐会的票都要提前预订，音乐会的CD和录像资料的发行权都是各唱片公司争夺的焦点，因为它意味着崇高的声誉和丰厚的商业利润。中国中央电视台也于1996年派专题摄制组去维也纳现场直播，使国人对维也纳和新年音乐会有了更多的了解。

每年的1月1日上午，奥地利首都维也纳的“维也纳爱乐之友协会”大厅——富丽堂皇的维也纳金色大厅被鲜花装点得分外秀丽，维也纳新年音乐会在全球的瞩目下举行，演出的曲目是被称为“圆舞曲之王”的小约翰·施特劳斯及其家族的音乐作品，由世界历史最悠久、素质最高超的乐团——维也纳爱乐乐团演奏。新年音乐会展示的是人类最文明、最欢快最明亮的侧面，高雅、轻松、豪华、热烈是维也纳新年音乐会的最大特点。





为什么会有这么著名的新年音乐会?为什么要演奏施特劳斯家族的作品?维也纳爱乐乐团为何成为世界上施特劳斯家族作品的权威演绎者?这些渊源起始于一个半世纪以前。184８年：维也纳新年音乐会的起源:1847年12月31日，一场音乐会正在维也纳郊外一个露天舞台举行。当时莱比锡一家报纸描述道：“指挥是一个卷发，肤色黝黑的人。他的嘴唇微向上翘，给人一种富有天才的印象。他举起小提琴，随着琴头的摇动，明快流畅的音乐便从一个规模虽小但素质很高的乐队中飘荡出来。”

这个肤色黝黑，“类似摩尔人”的指挥，便是老约翰·施特劳斯——辉煌的施特劳斯音乐家族的创始者。当时他组织了一个乐队在全欧洲巡演，声誉载道。这次音乐会一直进行到1848年新年的钟声敲响时，乐队演奏了维也纳著名作曲家约瑟夫·海顿(Josef Haydn)的一首作品，作为对新年的庆祝。接着乐队演奏了施科泽(John Georg Scherzer)的一首歌曲(这首歌曲后来几乎成为维也纳民谣)：“跳吧，唱吧，无论我们是富裕还是贫穷……”随后乐队开始持续演奏欢快的舞曲：圆舞曲、波尔卡、连德勒……音乐会变成了盛大的舞会，整个场地就是舞场，听众跟随着音乐翩翩起舞，精彩的作品则被要求加演两次、三次甚至更多次……欢乐的舞会一直持续到天明。 一个半世纪前的这场音乐会，就是现在维也纳新年音乐会的起源。





大师风采 年度指挥家们

尽管新年音乐会眼下在全世界已近乎泛滥，但维也纳新年音乐会依然充满魅力，这种魅力来自维也纳这块音乐沃土上结出的两颗最珍贵的硕果---施特劳斯家族的音乐和维也纳爱乐乐团，来自二者在洋溢着欢乐和希望的新年第一天的结合所产生的和谐。音乐会的魅力还来自指挥台上的大师。即使对于维也纳爱乐乐团这样的世界顶级乐团，即使演奏的是施特劳斯家族那些熟稔于心的作品，一位优秀的指挥家仍然是必不可少的，他不仅能为音乐会增色，激发听众的兴趣，更重要的是，赋予音乐以活力和内涵，使之常莩Ｐ拢

洛林·马泽尔是世界上最杰出的指挥家之一，他有生之年已经指挥了150多个交响乐团的5000多场歌剧和音乐会，定期出现在世界著名的音乐厅和歌剧院里。

马泽尔曾经担任过以下职务：柏林德国剧院艺术总监(1965-1971年)，克利夫兰管弦乐团音乐总监(1972-1982)，维也纳国家歌剧院总监和首席指挥(1982-1984)，匹兹堡交响乐团音乐总监(1988-1996)。到2002年为止，他是巴伐利亚广播交响乐团的音乐总监。从2002年起，他开始担任纽约爱乐乐团音乐总监。

马泽尔1930年出生于法国巴黎，四岁随父母移居美国，五岁时开始学习小提琴和钢琴。他从儿童时代就已经表现出不可思议的指挥天才。马泽尔八岁时第一次公开指挥一支大学交响乐团，被人们誉为“音乐神童”。从九岁到十五岁，他曾经指挥过美国多数的主要交响乐团。1953年，马泽尔在意大利卡塔尼亚的贝里尼剧院接替一位生病的指挥而登台，之后他在欧洲许多交响乐团、歌剧院和重要的国际音乐节中担任客座指挥，取得了令人瞩目的成就。

马泽尔曾经在1980至1986年、1994年、1996年和1999年指挥过维也纳新年音乐会，使他成为继维也纳新年音乐会第二任指挥波斯考夫斯基之后指挥过最多场次该场音乐会的指挥家。马泽尔的指挥风格清新、潇洒，稳重之中不乏幽默。他有时还担任乐队的小提琴独奏部分，给全世界的乐迷留下深刻的印象。在1999年的新年音乐会上，他的小提琴独奏令全世界的乐迷如醉如痴。他以小提琴家的身份曾经出现在与25个世界知名的交响乐团的演出活动中，其中包括以色列爱乐、纽约爱乐、布拉格爱乐和维也纳爱乐乐团等。在2000年马泽尔70周岁之际，大师以小提琴家的身份出现在伦敦、柏林、维也纳、纽约、东京、马德里、罗马、米兰、慕尼黑和巴黎等世界许多城市中，演奏勃拉姆斯、巴托克和柴科夫斯基的作品，以及他自己的乐曲《为小提琴和乐队创作的作品》。马泽尔使用的那把小提琴是于1723年制作的斯特拉底瓦里琴。

在历届新年音乐会的多次演出中，马泽尔还和维也纳爱乐乐团的乐手们把来自于生活中的各种小道具，如哨子、三角铁、木板等，自然地融入施特劳斯家族优美的舞曲中，给施氏家族动感强烈的波尔卡舞曲增添几分诙谐。这种特殊的“创作”使得维也纳新年音乐会新意不断，成为在辞旧迎新之际奥地利人献给全世界人民一份优雅的贺岁礼物。

马泽尔是个语言大师，他在1996年维也纳新年音乐会上，他连续用十几种语言向全世界的乐迷们致以新年的问候，也就是在这一年，马泽尔先生把从我台转播小组工作人员那里学来的中文“新年好”也使用上了，在中国乐迷中传为佳话。


(编辑：凌微 来源：CCTV.com)

相关链接：2005年维也纳新年音乐会

所谓克尔特(Celtic)文化，一直是一个暧昧模糊的概念，并非像一般国家是由人口和政治来区隔，而是从音乐、文化、语言上来界定。举凡爱尔兰、苏格兰、英格兰、韦尔斯、法国、西班牙、意大利、土耳其，都有一点克尔特文化的色彩。

从六十年代开始，有一股很强的克尔特文化复兴势力崛起，主要是在英国爱尔兰，从乡下村庄里的 PUB渐渐向外蔓延伸展。当时，在音乐上很重要的一个人物是Sean O Riada，他拥有一个古典音乐的乐团，却赋与音乐很爱尔兰的风味，造成一种新曲风的时兴。在他去世后，乐团中一个吹风笛的人，叫Paddy Moloney，组成The Chieftains乐团，成为当代爱尔兰民谣最有名的乐团。 这种结合现代和传统的音乐，具有听觉上的新鲜度，诠释技巧也非常好；再配合完整的市场行销，虽然处在开拓阶段，却几乎像是风行草偃般，整个英国和爱尔兰的年轻人突然对克尔特文化，尤其是音乐产生了莫大的兴趣。苏格兰地区比较少，可是整个克尔特文化已经渐渐潜移默化大家的心灵，所以不久后便有很多乐团如雨后春笋般纷纷出现。英格兰地区也对摇滚比较有兴趣，直到后来才有民谣的复兴。


爱尔兰民谣

藉由历史、政治和文化力量来维持生命力的爱尔兰传统民谣，时至今日仍是西方世界音乐文化表现最丰富的一种。

早在工业革命之前，只有乡下才有克尔特文化；工业革命之后，由于大众传播媒介的发达，加上国际旅行越来越方便，因此过去不同文化各自为政、彼此有隔阂的时代已经结束。克尔特文化渐渐传播到大城市及国外英美澳等地，在全世界各处都有爱尔兰偏克尔特曲风的一些演唱会、音乐比赛、音乐节等非正式来往，形成文化交流的和谐场面。

早期的爱尔兰民谣，泛指舞会上的音乐(Dance Music)，大部分都不须唱歌，只是纯粹的乐器演奏。爱尔兰人无论在家里、在厨房、在十字路口、在婚礼、在任何活动 场合，都会谱曲作音乐，与生活浑然天成、融为一体，和吉普赛、匈牙利、东欧的文化很像。不过，这种音乐的目的是为了跳舞，因此你得动 动脚、摇摇肩膀，让音乐解放你的身体。 到了二十世纪初，舞会上的音乐还是很受欢迎。但渐渐地，越来越多人到大都市找工作，城市里有狄斯可、有收音机、有唱片、有CD，所以街上的音乐越来越不重要了。曾经有一段时间，爱尔兰传统民谣丧失了活力，彷佛茍延残喘般，窝在乡镇村庄的 PUB中，直到最近三十年才再度复兴。

现在的爱尔兰民谣，主要有两种表演方式：一种是针对要跳舞的人；另外一种是在 PUB里表演，针对观光客或其它观众。给舞者的音乐比较难，不像 PUB里那么快，须要特别技巧。在 PUB里歌曲动听与否不是很重要，重要的是如何才能完整表达出创作者的想法和感觉。

爱尔兰的民谣传统也有两种，一种是古老的方式sean nos，只有一个人清唱，没有乐器伴奏，旋律很慢、有点闷，声音的改变也不多。而且唱歌的人对听众要求很多，希望听众能了解他到底是怎么唱的才会欣赏，如果不了解sean nos的演唱概念，就比较难欣赏。Sean nos旋律缓慢，发源于宫廷诗人，和中古时代的欧洲一样，他们通常被国王或某家族族长找来唱歌，由此发展自成一格。

另一种是介于爱尔兰和英格兰不同语言的运用方式之间，有时用盖尔语(Gaelic)唱，有时则用英文来唱，多在PUB演唱，比较活泼。爱尔兰的 PUB表演，除了须购买门票才能观赏的知名乐团正式演出以外，还有各种免费的非正式演出，只要给乐手或歌者一个角落，他们就会即兴表演歌舞，是最有意思的音乐欣赏。

爱尔兰民谣所使用的乐器，多半是小提琴、风笛和其它笛子，最有名的乐团是The Chieftains。他们原本是以传统音乐为主，后来为了迎合潮流，也会找一些有名的摇滚音乐人来搭配表演，所以与Rolling Stone及很多流行乐手合作过，但本质上还是一个很传统的乐团。

The Chieftains里所有的成员演奏技巧都很好，主要的乐器是风笛，据说风笛要学习七年、练习七年、表演七年才能学会。对于爱尔兰人而言，风笛尤其难学，也许和它是外来乐器，十八世纪才传入有关。事实上，爱尔兰最具代表性 、最早期的乐器是竖琴和手鼓，节奏同样难以控制也很难表演。

The Chieftains六十年代开始表演时，让很多年轻人大感意外，没想到古老的民谣也具有如此活泼的生命力，于是便开始对爱尔兰民谣产生兴趣。 于是越来越多人加入民谣复兴的行列，如Christy Moore，他的个人创作音乐最引人入胜，但较偏没那么传统的音乐。The Pogues是在伦敦长大的爱尔兰人，曲风以节奏快且活泼著称。另一个团体 Altan成立于一九八七年，始终坚持用传统乐器唱传统的歌。大家所熟悉的恩雅的合作乐团 Clannad，约二十年前仍维持传统路线，现在则使用电子乐器，曲风摇滚，显然与传统渐行渐远。这一点也是目前最具争议性 的，究竟新的改变是进步，还是商业化？不改变就算故步自封吗？

苏格兰民谣

一般人对苏格兰的刻板印象是----吹风笛穿裙子的男人，所以苏格兰人的文化复兴活动 在其它国家被接受比较难。

从六十、七十年代开始，有一些重要的人如Ewan MacColl，因应二次世界大战后，美国音乐的影响越来越大，立志保护传统民谣。他本来是演员，

听听你的音箱位置对不对，耳机有没有带反了。




左声道
中声道
右声道
环绕声道




来源：天外之音
[FLASH]http://www.zhedu.net.cn/student/zhzx/bright/image/outskymusic2.swf[/FLASH]

资料来源：http://www.21hifi.com

德国顶级HiEnd音响 柏林之声



来！在这篇开场白的一开始，让我们做个机智抢答。给您五秒钟，说出二种德国精品...Benz、BMW，这是车迷的答案。
德国猪脚与啤酒，这是老饕的回答。
德南诸多古老小城与莱茵河谷，这是旅游迷的答案，
柏林爱乐与卡拉扬，这是古典乐迷的答案，
最后，如果您问到音响迷，答案可能是Burmester「柏林之声」与MBL。

Burmester与MBL当然也像Benz、BMW一般，坦白说，不是一般音响迷可以负担得起的。有趣的是，这二个厂牌的某些型号有时候想买也要等，并不是随时有货。为什么要等呢？吊胃口吗？不是！太好卖了吗？也不尽然。主要是产量太少了。为什么不生产多一点呢？那么贵的东西，做多了卖得出去吗？何况，艺术品，一多就不值钱，这是大家都懂的道理。



在这些年中，Burmester创造了许多第一。例如，他们是第一家采用镀铬面板与外壳的音响厂家，后来许多厂家也都跟进。他们是第一家推出全模块化前级（1980年的808）的Hi-End音飨厂商，后来许多高级器材也都采用。他们是第一家（1983年）使用全平衡线路的Hi-End音响厂商，后来全世界也都跟进。
　　
甚至，他们在1989-90年间曾经设计了一种弧型面板，但是后来并末生产。几年后德国出现了雷同的外观产品。到底是英雄所见略同或模仿，这就有待双方去厘清。最后，不要忘了他们世界首创的皮带驱动式CD唱盘。总之，Burmester不仅骄傲于他家产品外观的亮丽，也自豪于他们的技术领先。当然，他们25年来一直坚持的「Art For The Ear」理念就是他家声音表现的代表。



Burmester创立于1977年的柏林，到2002年刚好满25年。全新系列的二十五周年版本「柏林之声」各型号产品即将上市，而其中国总代理新汉建业有限公司也会为Burmester厂方大幅改良的新产品推广给高级发烧友们。
　　
重质不重量，这是Hi-End厂方普遍的特色之一，与大部分其它Hi-End音响产商一样Bumester的厂房占地并不大，大约是1,300平方米。雇用工人也不多，仅20位。然而，Bumester可以为了设计一对喇叭，花了八年的时间方推出。这期间，他们试过许多种设计，采用过许多种单体。到最后，因为找到了完全能够达到他们要求的单体，第一对喇叭949才诞生。
　


949的型号告诉我们这是94年9月推出的产品，也就是说，Bumester在1986年就开始着手研究这对喇叭了。一对喇叭要研究8年才推出？这怎么符合经济效益？没错！从经济效益的角度来看，949简直早该扔进垃圾堆。但是，若从Hi-Fnd精神的角度来看，这才是菁英产品，因为它具有不妥协、追求完美的精神。
　　
Bumester的工厂位于柏林的一个小型工业区里，这个工业区也是绿意盎然，整座工厂都被浓荫笼罩着。朴素、干净与整齐异常的厂房。没有花俏、没有浮华、一切讲求精雕、实用与高效率，这就是德国的精神。举个例子，世界首创的皮带驱动式CD唱盘Bumester旗舰型CD转盘969，由于它是皮带驱动的，因此要有另外的转动轴心。您知道那个轴心有多精密吗？那是Bumester向瑞士订制的，精度是三千分之一mm！又不是生产导弹火箭，您说有必要那么精密吗？可是固执的Bumester就认为一定要这样才行，这就是德国人追求精确的精神。



除了要求精确之外，德国人做事的认真态度也是全世界出了名的。在工厂里，层层的关卡在检验着进料与每个制程。例如镀铬的面板与旋钮进料后，就有专人一个一个仔细的检查，有任何瑕疵就剔出来。为了维持工厂的整洁与单一操作，Burmester的所有线路板都是外包的。这些外包的线路板送进来之后，也是一片片由工人耐心的测试，没有问题之后才编号入库。像这样的事情做来费工耗时，而且德国的工资这么高，但是Bumester还是认为非如此做不可。其实，像所有的产品都要经过整整五天Burn in试炼与人耳聆听才算完工，这些都是耗时费工的作法。难怪Bumester可以自豪的说他们的产品出厂后的故障率极低，因为要故障的话大部分都在长时间的Burn in过程中发现现了。
　　
当然，以这种慢工细活、精心打造做出来的产品，它所有的成本都要平均分摊到少数的数量上，所以其售价绝对不便宜。或许，我们在慨叹这是Hi-End产品无解的宿命之余，也可以将它们看作如版画、手工艺般限量生产的艺术品。这样就比较能够释怀了。




柏林之声 极品级音响组合



一提起奔驰这个汽车品牌，相信无人不晓，在某程度上，驾驶奔驰也算是一种身份的象征，原来音响器材中亦有媲美奔驰的品牌，说的是Burmester

◆经典的WAVE
WAVE文件作为最经典的Windows多媒体音频格式，应用非常广泛，它使用三个参数来表示声音：采样位数、采样频率和声道数。声道有单声道和立体声之分，采样频率一般有11025Hz（11kHz）、22050Hz（22kHz）和44100Hz（44kHz）三种。WAVE文件所占容量=（采样频率×采样位数×声道）×时间/8（1字节=8bit）。

◆龙头老大MP3
MP3可谓是大名鼎鼎，它采用MPEG Audio Layer 3 技术，将声音用 1∶10 甚至 1∶12 的压缩率压缩，采样率为44kHz、比特率为112kbit/s。 MP3音乐是以数字方式储存的音乐，如果要播放，就必须有相应的数字解码播放系统，一般通过专门的软件进行MP3数字音乐的解码，再还原成波形声音信号播放输出，这种软件就称为MP3播放器，如Winamp等。

◆网上霸主RA系列
RA、RAM和RM都是Real公司成熟的网络音频格式，采用了“音频流”技术，所以非常适合网络广播。在制作时可以加入版权、演唱者、制作者、Mail 和歌曲的Title等信息。RA可以称为互联网上多媒体传播的霸主，适合于网络上进行实时播放，是目前在线收听网络音乐最好的一种格式。

◆潜力无限的WMA
微软在开发自己的网络多媒体服务平台上主推ASF(Audio Steaming format)，这是一个开放支持在各种各样的网络和协议上的数据传输的标准。它支持音频、视频以及其他一系列的多媒体类型。而WMA是Windows Media Audio的缩写，相当于只包含音频的ASF文件。WMA文件在80kbps、44kHz的模式下压缩比可达1∶18，基本上和VQF相同。而且压缩速度比MP3提高一倍。所以它应该比VQF更具有竞争力。

◆传统的MOD
MOD是一种类似波表的音乐格式，但它的结构却类似 MIDI，使用真实采样，体积很小，在以前的DOS年代，MOD经常被作为游戏的背景音乐。现在的MOD可以包含很多音轨，而且格式众多，如S3M、NST、669、MTM、XM、IT、XT和RT等。

◆电脑音乐MIDI
MIDI是Musical Instrument Data Interface的简称，它采用数字方式对乐器所奏出来的声音进行记录（每个音符记录为一个数字），然后，播放时再对这些记录通过FM或波表合成：FM合成是通过多个频率的声音混合来模拟乐器的声音；波表合成是将乐器的声音样本存储在声卡波形表中，播放时从波形表中取出产生声音。

◆高压缩比的VQF
VQF即TwinVQ是由Nippon Telegraph and Telephone同YAMAHA公司开发的一种音频压缩技术。
VQF的音频压缩率比标准的MPEG音频压缩率高出近一倍，可以达到1∶18左右甚至更高。而像MP3、RA这些广为流行的压缩格式一般只有1∶12左右。但仍然不会影响音质，当VQF以44kHz-80kbit/s的音频采样率压缩音乐时，它的音质会优于44kHz-128kbit/s的MP3，以44kHz-96kbit/s压缩时，音乐接近44kHz-256kbit/s的MP3。

◆迷你光盘MD
MD（即MiniDisc）是SONY公司于1992年推出的一种完整的便携音乐格式，它所采用的压缩算法就是ATRAC技术（压缩比是1∶5）。MD又分为可录型MD（Recordable，有磁头和激光头两个头）和单放型MD（Pre-recorded，只有激光头）。 强大的编辑功能是MD的强项，可以快速选曲、曲目移动、合并、分割、删除和曲名编辑等多项功能，比CD更具个性化，随时可以拥有一张属于自己的MD专辑。MD的产品包括MD随身听、MD床头音响、MD汽车音响、MD录音卡座、MD摄像枪和MD驱动器等。

◆音乐CD
即CD唱片，一张CD可以播放74分钟左右的声音文件，Windows系统中自带了一个CD播放机，另外多数声卡所附带的软件都提供了CD播放功能，甚至有一些光驱脱离电脑，只要接通电源就可以作为一个独立的CD播放机使用。

◆免费音乐格式Vorbis
为了防止MP3音乐公司收取的专利费用上升，GMGI的iCast公司的程序员开发了一种新的免费音乐格式Vorbis，其音质可以与MP3相媲美，甚至优于MP3。并且将通过网络发布，可以免费自由下载，不必担心会涉及侵权问题。但MP3在网上已经非常流行，微软的Windows Media技术也开始普及，Vorbis的前景还是不容乐观。

◆其它音频格式

AIF/AIFF：苹果公司开发的一种声音文件格式，支持MAC平台，支持16位44.1kHz立体声。
AU：SUN的AU压缩声音文件格式，只支持8位的声音,，是互连网上常用到的声音文件格式，多由SUN工作站创建。
CDA：CD音轨文件。
CMF：CREATIVE 公司开发的一种类似MIDI的声音文件。
DSP：Digital Signal Processing（数字信号处理）的简称。通过提高信号处理方法，音质会极大地改善，歌曲会更悦耳动听。
S3U：MP3播放文件列表
RMI：MIDI乐器序列

有损压缩：
AAC：在高比特率下音质仅次于MPC，在高比特率和低比特率下表象都很不错。就是编码速度太慢!
MPC：低比特率下表现一般，不及Mp3Pro编码的MP3和OGG，高比特率下音质最好，编码速度快!
OGG：低比特率下音质最好，高比特率同样也不错。编码速度稍慢。
MP3(MP3Pro)：在低比特率下音质次于OGG，其他方面同MP3
WMA：高低比特率下都一般，不支持VBR，最高192Kbit/s

无损压缩：
FLAC：压缩率在四个中最差，编码速度不错，平台支持很

◆单曲（Single）
通常是一首比较好听的歌曲，为了扩大影响，这首歌曲被乐队和唱片公司挑出来单独发行。通过电台和电视台的反复播放，吸引歌迷购买单曲唱片，单曲的销售量排名就成了单曲排行榜（chart），这无形中反映了某首歌曲在一定时间内的流行程度，同时为乐队带来了好名声。这种专为上排行榜的单曲同时也叫做hit，就是热门歌曲的意思。不过对于重金属来说，能登上排行榜的单曲不算很多，能得到好名次的更少（除了那些煽情的慢歌），这毕竟是一种喧闹的音乐，不是每个人都受得了的。

◆专辑（Album）
现代音乐最主要的发行方式，通常由3-15首歌组成，长度大多在12到74分钟之间（不排除例外）。专辑中的歌曲顺序一般来说应该是经过慎重考虑的，按照这样的顺序听下来，整张专辑给人的感觉会超过简单的歌曲总和，也就是整体大于局部总和的意思，尤其是概念专辑（conceptual album）。

◆大碟（CD/LP）
专辑通常有两种，一种更为正式，收录的歌曲较多（10首左右），时间较长（40分钟左右），能够让歌迷一次过足 瘾，而音乐家在上面花的心思也更多一些。象这种正式和规矩的专辑就称为大碟，或者干脆就叫专辑。80年代以前专辑的主要发行方式是胶木唱片和磁带（Cassette），其中胶木唱片更适合于收藏，而90年代之后CD成为更为主要的介质。所以大碟通常就是LP，但现在也渐渐用CD来称呼了。

◆细碟（MCD/EP）
也就是小专辑，一般有3-7首歌（当然也可能更多），时间也比较短，通常在15-20分钟左右。它是一种较不正 式的专辑，乐队有了几首成熟的作品，需要及时推出，但又够不上一张大碟的数量，所以就发行这种细碟，当 然也可能纯粹就是为了赚点外快。它的价格介于单曲和大碟之间。为了使细碟更具有吸引力，乐队有时会在细 碟上放一些较为罕见的歌曲，如现场或翻唱歌曲。作为一支摇滚乐队来说，大碟是不可缺少的，细碟就属于可 有可无的东西了。在胶木唱片时代这种细碟叫做EP，现在当然就叫MCD了。

◆私制唱片（Bootleg）
这是一种更不正式的唱片了，而且根本就不是合法的东西。它是由歌迷自己在现场用录音机或摄象机偷偷录制 的，也有的是乐队未发表的录音室作品被偷出后翻制的，这种私制唱片通常制作粗糙，但也不乏精品。在国外，这种私制唱片具有相当的市场，因为这种唱片中的歌曲版本一般是无法从正式渠道获得的。一些老牌乐队如AEROSMITH，IRON MAIDEN，METALLICA的私制唱片是最多的。有时极少数效果很好的bootleg也会被乐队看中，拿来改编后进行正式的发行。

◆小样（Demo）
乐队自己录制的样带。地下乐队在签约前，自己掏钱录制这样的小样，然后灌制成磁带或CD，进行地下发售或者送到唱片公司和电台以期获得注意。有些乐队的小样录制得非常精致（这要看乐队的设备和录制水平），完全可以作为收藏品了。

◆处女作（Debut）
debut这个单词很难用一个中文词来解释，因为它可以指任何活动的第一次。如第一张专辑叫debut album，第一次演出叫debut show，第一次巡演叫debut tour，甚至第一次在美国露面叫American debut......

◆小型演出（Gig）
通常指在酒吧或俱乐部举行的规模很小的现场演出，一般地下和半地下乐队是很难有机会在大型体育馆或剧院进行演出的，所以这种gig成为他们展示自己音乐才华的主要方式。当然，如果乐队有一定影响的话，通过这种演出也可以从酒吧老板那里拿到一定数量的报酬，一般是足够基本生活开支了。

◆演唱会（Concert）
指具有一定规模的现场演出，如果乐队没有足够的歌迷支持，是不可能举办这样大规模的演唱会的，因为租借一个象体育馆或剧院这样大的场地通常需要一定的金钱和名声。演唱会可以说是摇滚乐手最激动人心的时刻，能在数以万计的歌迷面前演出，这本身就是一件非常有满足感的事情，何况还有非常可观的门票收入（当然，也有不少大型演出是免费入场的）。演唱会对于歌迷来说则是一个狂欢的节日，大多数金属乐迷都会认为一场精彩的演唱会比disco更来劲得多。

◆巡回演出（Tour）
典型的摇滚生活方式不可缺少的一部分。乐队和技术人员搭乘着各种交通工具，从一个城镇转移到另一个城镇，为当地的乐迷带去精彩的现场演出。这通常也是一种为专辑促销的方法，不过对于乐队来说，能够周游各地，也是一种难得的体验。巡演是一种非常需要体力的劳动，因为它往往耗时漫长，有时乐队只好在飞奔的汽车上睡觉，还得自己动手搬运器械，所以不少乐队都写过关于巡演残酷程度的歌曲（就象MEGADETH的Killing Road）。为了扩大巡演声势，通常会有几支风格类似的乐队联合起来一起进行巡演，例如90年代初著名的Thrash Metal巡演Clash Of Titan（包括ANTHRAX，SLAYER，MEGADETH等）。

◆音乐节（Festival）
在某个主题的号召下，很多乐队集中到一起，在数天的时间里为歌迷带来一系列演出，这是名副其实的节日。这种音乐节经常是露天的（outdoor），因为可以不受场地限制，接纳尽量多的歌迷。不少乐队在音乐节上表现出众而一举

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